“Estas fotografías del Rastro no son ni como las que guardan nuestros padres de parientes y amigos desconocidos, ni siquiera como las que de gentes desconocidas se ven con cierta avidez en los portales de los fotógrafos; son más desconocidas, de muertos completamente perdidos en toda memoria humana”._____________Ramón Gómez de la Serna (1915:174–5)
La Revolución Fotográfica del Siglo XIX:
Análisis Científico-Tecnológico de los Procesos de Democratización Visual1. Marco Epistemológico-Metodológico:
Hacia una Arquitectura Interdisciplinaria del Conocimiento Fotográfico
La historiografía fotográfica contemporánea
ha experimentado una transformación paradigmática fundamental, evolucionando
desde una perspectiva meramente tecno-instrumental hacia un paradigma
epistemológico integrado que reconoce la fotografía como fenómeno
científico-cultural multidimensional. Esta metamorfosis metodológica, iniciada
por Beaumont Newhall en 1937 con su exposición paradigmática
"Photography 1839-1937" en el Museum of Modern Art de Nueva York,
estableció las imágenes fotográficas y sus autores como sujeto histórico principal,
trascendiendo definitivamente las limitaciones de los enfoques puramente
técnicos (Newhall, 1982; Batchen, 2001; Riego, 2014).
La episteme fotográfica del siglo XXI
requiere una aproximación transdisciplinaria que integre metodologías
provenientes de la historia de la ciencia, sociología de la tecnología,
estudios culturales, semiótica visual y conservación patrimonial. Esta
convergencia disciplinaria resulta imprescindible para comprender la complejidad
morfológica inherente al medio fotográfico, donde cada imagen constituye
simultáneamente un artefacto técnico, un documento histórico y una construcción
cultural (Sougez, 2007; Fontanella, 2007; López-Ávila, 2025).
La metodología historiográfica introducida por Newhall
reconfiguró fundamentalmente la comprensión académica de la fotografía,
transitando desde una perspectiva meramente tecnicista hacia un enfoque
interdisciplinario integrado que contempla simultáneamente los aspectos
tecnológicos, socioculturales, estéticos y económicos del fenómeno fotográfico.
El concepto newhaliano de photography as aesthetic medium estableció las
bases conceptuales para distinguir la fotografía de las demás artes gráficas
mediante un núcleo tecnológico y semiológico específico (Coronado, 2000;
Nickel, 2001).
Esta aproximación interdisciplinaria se
fundamenta en la premisa de que la investigación fotográfica contemporánea debe
articular y armonizar conscientemente los diversos conceptos o generalizaciones
de la realidad que nacen de cada disciplina, integrando métodos epistemológicos
diferenciados para acercarse a dicha realidad y las formas de comunicación
utilizadas por las disciplinas (Mari Mutt, 2018; López-Leyva, 2013). La metodología
de investigación interdisciplinaria se considera una "voz fresca"
al interior de los discursos académicos, permitiendo la generación de
significaciones holísticas que trascienden las limitaciones disciplinarias
tradicionales.
2. Fundamentos Teórico-Conceptuales
La comprensión de la emergencia de las tarjetas
postales y el magnetismo de sus imágenes resulta metodológicamente
imposible sin el análisis exhaustivo de los avances en los procesos
fotográficos y de impresión que las hicieron técnicamente viables. La fotografía
constituye simultáneamente una ciencia experimental y una manifestación
artística, aspectos que aparecen indisolublemente unidos desde un origen
técnico-científico hasta su transformación en forma artística autónoma
(Newhall, 2002; Fontcuberta, 1984; Tausk, 1978).
Considerablemente antes de la posibilidad
contemporánea de realizar fotografías mediante dispositivos móviles digitales,
fue necesario un extenso proceso de investigación científica e innovación
tecnológica para conseguir que un dispositivo óptico-mecánico creara la
imagen y ésta pudiera fijarse permanentemente en un soporte estable y duradero.
La invención y desarrollo fotográfico transcurrió paralelamente a revoluciones
tecnológicas fundamentales como la máquina de vapor, la iluminación eléctrica
incandescente, el telégrafo electromagnético y la revolución ferroviaria (López
Mondéjar, 2005; Castillo Martos, 2019).
Sin embargo, a diferencia de estas innovaciones
infraestructurales, la fotografía emergió como un producto cultural casi
exclusivo de las élites económicas. Gracias a las innovaciones
tecnocientíficas y los procesos de industrialización sistemática, se
consiguió que pudiera ser disfrutada progresivamente por amplios sectores
sociales, anticipándose a fenómenos culturales que aparecerían posteriormente
como las revistas ilustradas, la prensa gráfica y el cinematógrafo (Freund,
1986; Sontag, 1981; Debray, 1994).
2.1 Etimología y Conceptualización Científica
La palabra fotografía significa
literalmente "escritura con luz" (del griego photos, luz, y graphos,
escritura). Se denomina fotografía a la técnica científica consistente en capturar
imágenes empleando para ello la luz, proyectándola y fijándola en forma de
imágenes sobre un medio sensible de forma permanente. La materialidad físico-química
de la fotografía implica básicamente tres elementos que se disponen formando
una estructura estratificada: una sustancia formadora de la imagen final, la
posibilidad de una emulsión y un soporte (Sougez, 2016; Fuentes, 2024).
Esta complejidad morfológica,
característica del medio fotográfico, debe ser tenida en consideración a la
hora de establecer su tratamiento documental, los límites de su uso y acceso,
los protocolos de restauración o la logística que implica su explotación
cultural. Cada época posee su tecnología específica y cada tecnología genera
sus propias innovaciones. La historia de la fotografía constituye la historia
de la tecnología aplicada a la reproducción mecánica de imágenes, resultado
del trabajo de múltiples investigadores y diferentes descubrimientos en las
distintas áreas de la química, la óptica y la mecánica (Castillo Martos, 2019;
Márquez, 2003).
Desde tiempos inmemoriales, el ser humano ha
aspirado a retener momentos del mundo que lo rodea y preservarlos. Esta
manifestación se evidenció ya desde el período paleolítico, cuando los artistas
prehistóricos representaban en las paredes acontecimientos trascendentes:
momentos de su vida cotidiana, tradiciones, mitos o creencias con la intención
de perpetuarlos para el futuro (Debray, 1994). Como señala Cabrejas Almena
(2009), "la fotografía del XIX no fue únicamente 'espejo de la verdad' ni
un procedimiento de registro mecánico de la realidad", sino que incorporó
desde sus orígenes elementos técnicos, creativos e ideológicos que determinaron
su evolución como medio expresivo y documental.
3. Antecedentes Científicos y Tecnológicos:
3.1 Sustancias Fotosensibles: Fundamentos
Químicos
Los antecedentes científicos de la fotografía
constituyen un fascinante proceso de desarrollo que se extiende desde la
antigüedad hasta el siglo XIX, fundamentado en el conocimiento progresivo de
las sustancias fotosensibles y los principios ópticos de la cámara oscura. La
historia de las sustancias fotosensibles se remonta a la tradición
alquímica medieval, donde los primeros investigadores comenzaron a documentar
las propiedades únicas de las sales de plata (Castillo Martos, 2019; Sabra,
2023).
Alberto Magno
(1206-1280), fraile dominico y destacado químico medieval, fue uno de los
pioneros en el estudio de los metales y las sales de plata. Describió
detalladamente la separación de oro y plata mediante ácido nítrico, observando
que la solución resultante de nitrato de plata podía oscurecer la piel. Sus
obras fundamentales sobre química, De mineralibus et rebus metallicis y De
lapidibus, incluían descripciones de procesos químicos como la obtención de
mercurio sublimando cinabrio, la purificación de oro, y la separación de la
plata por ácido nítrico (Castillo Martos, 2019).
Los alquimistas árabes también desempeñaron un
papel fundamental en el desarrollo de la química fotosensible. La
alquimia en el mundo islámico medieval se centró tanto en la alquimia
tradicional como en la química práctica temprana, desarrollando técnicas avanzadas
de metalurgia y trabajando con metales básicos como oro, plata, estaño y cobre
(Sabra, 2023; Márquez, 2003).
Durante dos siglos, los estudiosos mantuvieron
un intenso debate sobre las circunstancias de la enigmática reacción química de
las sales de plata. Robert Boyle (1627-1691) atribuía el ennegrecimiento
del cloruro de plata a causas ambientales como el calor y los efectos del aire.
Sin embargo, otros investigadores con mayor intuición científica, como Wilhelm
Homberg (1652-1715), defendían la hipótesis de que el oscurecimiento era
producido por los rayos solares (Castillo Martos, 2019).
La controversia científica se resolvió
definitivamente en 1694 cuando Wilhelm Homberg demostró frente a la
Académie Royale des Sciences en París el ennegrecimiento de una caja de hueso
de vaca mediante la exposición del hueso recubierto de nitrato de plata a la
luz solar, refutando así la teoría de Boyle sobre los efectos del aire. Este
experimento constituyó un hito fundamental en la comprensión de los mecanismos
fotoquímicos.
El primer paso verdaderamente significativo para
fijar la imagen sin recurrir a la copia manual lo realizó en 1727 Johann
Heinrich Schulze (1687-1744), médico y profesor alemán de anatomía en las
universidades de Altdorf y Halle. Su descubrimiento, realizado mientras
intentaba repetir el experimento de Christoph Adolph Balduin para sintetizar
fósforo, constituye un hito fundamental en la historia de la química
fotográfica (Sietefotógrafos, 2024; Wikipedia, 2010).
Schulze descubrió accidentalmente que un frasco
con yeso impregnado con nitrato de plata se volvía de color púrpura oscuro por
el lado donde incidía la luz intensa de una ventana. Intrigado por este
fenómeno, recortó unas letras de un papel opaco, las dispuso encima de aquel
preparado fotosensible, y obtuvo como resultado que el contorno de los recortes
quedaba perfectamente delineado sobre la superficie de yeso. Este experimento
constituyó la demostración empírica de la fotosensibilidad química y
sentó las bases científicas para investigaciones posteriores sobre la fijación
de imágenes.
Los trabajos del químico sueco Carl Wilhelm
Scheele (1742-1786) representaron un avance crucial en la comprensión de
los mecanismos químicos subyacentes. En 1777, Scheele estaba estudiando
el cloruro de plata y determinó que la luz lo oscurecía descomponiéndolo en
partículas microscópicas de plata metálica (Radio Reloj, 2023; Farmacia Marcos,
2024). De mayor utilidad potencial, Scheele descubrió que el amoníaco disolvía
el cloruro de plata pero no las partículas oscuras, un descubrimiento que
podría haber servido para estabilizar o "fijar" las imágenes
fotográficas, aunque no fue aprovechado por los primeros experimentadores.
La necesidad de inventar nuevos métodos de
representación gráfica llevó a Thomas Wedgwood (1771-1805) a la idea
revolucionaria de combinar las dos vertientes de lo que sería la fotografía:
someter la acción de la luz, en el interior de una cámara oscura, con un
soporte previamente embadurnado con sales de plata. Con este procedimiento
logró fijar siluetas de objetos y personas, aunque desafortunadamente se
alteraban rápidamente con la luz. En 1802, Thomas Wedgwood junto con Humphry
Davy publicaron en el Journal of the Royal Institution de Londres su
artículo fundamental "An account of a method of copying paintings upon
glass and of making profiles by the agency of light upon nitrate of silver"
(Palabras Claras, 2024; Foto con Mac, 2024).
3.2 La Cámara Oscura: Principios Ópticos
Fundamentales
Paralelamente al desarrollo de la química fotosensible,
la evolución de la cámara oscura proporcionó los fundamentos ópticos
necesarios para la fotografía. Este dispositivo, basado en principios físicos
fundamentales de propagación lumínica, consiste en la formación de imágenes
invertidas mediante el paso de luz a través de una apertura pequeña hacia un
espacio oscuro, principio documentado desde la antigüedad por Aristóteles
(384-322 a.C.) y sistematizado por el científico árabe Alhacén (Ibn
al-Haytham, 965-1040) (Khan Academy, 2024).
La invención formal de la cámara oscura se
atribuye principalmente a Alhacén, quien realizó estudios sistemáticos
sobre óptica y describió detalladamente el funcionamiento de este dispositivo.
En su obra Kitab al-Manazir (Libro de Óptica), desarrolló una teoría
científica rigurosa sobre cómo la luz viaja en líneas rectas y cómo esto
permite la formación de imágenes invertidas, distinguiendo su trabajo de las
observaciones más casuales de sus predecesores (Encyclopedia Britannica, 2024).
Leonardo da Vinci (1452-1519) proporcionó la primera descripción completa e ilustrada
del funcionamiento de la cámara oscura, estableciendo analogías precisas entre
este dispositivo óptico y el funcionamiento del ojo humano. Da Vinci postuló
que "el ojo recibe las imágenes como un espejo y las transmite al
cerebro", sentando las bases para una comprensión más profunda de la
óptica y la percepción visual. Durante el Renacimiento, la cámara oscura se
integró como instrumento auxiliar en la práctica artística, estableciendo una
relación directa entre tecnología óptica y representación visual que
caracterizaría el desarrollo posterior de la fotografía (Warwick University,
2024).
4. Análisis Cronológico de Procedimientos Fotográficos
4.1 Heliografía (1816-1827): Primer Proceso de
Fijación Permanente
En 1823, Joseph Nicéphore Niépce
(1765-1833), con el objetivo de mejorar el procedimiento litográfico, consiguió
fijar una imagen obtenida mediante la utilización de la cámara oscura,
introduciendo una plancha metálica en lugar de la pesada piedra de Senefelder,
recubierta de betún de Judea (sustancia fotosensible). La imagen
resultante se revelaba con una mezcla de aceite de espliego y trementina, y con
una exposición de más de ocho horas, aparecía gradualmente una imagen única
(López Lara, 2005; Science and Media Museum, 2024).
Se empleaba una plancha metálica porque se
necesitaba un soporte no absorbente, para que el betún, sustancia que mancha
considerablemente, no se adhiriera en las partes no expuestas. A este
procedimiento se le denominó heliografía o "huellas dactilares
solares", considerándose el primer intento exitoso de fijar imágenes
fotográficas de manera permanente. La célebre "Vista desde la ventana
en Le Gras" (1826) requirió más de ocho horas de exposición solar,
pero demostró la viabilidad técnica de capturar y fijar permanentemente la
información lumínica sobre un soporte físico (Google Arts & Culture, 2024;
University of Texas, 2024).
Niépce utilizó el betún de Judea basándose en
los hallazgos de Jean Senebier sobre el endurecimiento fotoquímico de
ciertas sustancias bajo radiación ultravioleta. El procedimiento heliográfico
estableció los principios fundamentales de la fotografía como técnica de
fijación de imágenes, aunque las limitaciones en tiempo de exposición y calidad
de imagen restringieron su aplicación práctica (Wikipedia, 2024; Google Arts
& Culture, 2024).
4.2 Daguerrotipo (1837-1860): Comercialización y
Democratización Inicial
Louis-Jacques-Mandé Daguerre, inventor del diorama en 1822, había utilizado la cámara oscura para
dibujar decorados y se había interesado por la manera de fijar estas imágenes
proyectadas por la luz. En 1829 se asoció con Niépce con la intención de
desarrollar el invento. Partiendo de los experimentos de Niépce, Daguerre
desarrolló un procedimiento propio y consiguió que la Academia Francesa lo
recogiera y promocionara en 1839 (EBSCO Research Starters, 2024; Library
of Congress, 2024).
Con financiación estatal pudo desarrollar su
invento, comercializarlo y convertirlo en un fenómeno de masas. Lo
consiguió sustituyendo el betún por una lámina de cobre altamente pulida y
plateada, sensibilizada con vapores de yodo. Redujo los tiempos de exposición a
15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente
revelaba con vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente
con sal (Wikipedia, 2024; Library of Congress, 2024).
A Daguerre debemos la popularización de la
fotografía, que a su vez generaría renovados intentos de investigación y
búsqueda de soluciones a los problemas no resueltos del medio. Su máxima
utilización fue entre las décadas de 1840 a 1860, y por el elevado precio de
las fotografías se limitó a las clases medias y altas (California State
University, 2024; Gilderlehrman Institute, 2024). Fue el primer proceso
fotográfico comercialmente exitoso en la historia de la fotografía y se
expandió mundialmente gracias a la liberalización de la patente por parte del
gobierno francés.
Los primeros daguerrotipos conmovieron
profundamente a poetas y científicos. Charles Baudelaire los llamó
"espejos de memoria", mientras que el pintor Paul Delaroche declaró:
"Desde hoy, la pintura ha muerto", ilustrando el impacto cultural
inmediato que tuvo la nueva tecnología en la sociedad de la época. Esta
reacción evidencia la transformación radical que experimentaron las
concepciones sobre representación visual y realidad durante este periodo (École
Française, 2024; IvyPanda, 2024).
4.3 Calotipo (1839-1860): Revolución del Sistema
Negativo-Positivo
William Henry Fox Talbot (1800-1877) desarrolló paralelamente el calotipo, sistema que
introdujo el principio negativo-positivo fundamental para toda la fotografía
posterior. Su gran innovación fue la obtención de un negativo sobre papel
sensibilizado con sales de plata, a partir del cual se podían obtener múltiples
copias positivas mediante contacto (Wikipedia, 2024; Britannica, 2024).
Talbot introdujo el proceso negativo-positivo
usando papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico. Aunque
su grano (20-50 μm) era visible, su bajo costo (1 chelín frente a 25 libras del
daguerrotipo) permitió copias múltiples, sentando las bases de la
fotografía moderna. La innovación conceptual del calotipo radicaba en la reproductibilidad
ilimitada a partir de un único negativo, superando la limitación del
daguerrotipo como imagen única (Britannica, 2024; Science and Media Museum,
2024).
Como escribió Talbot en una carta a Herschel en
1843: "Mi método permite reproducir una escena infinidad de veces. No es
solo un retrato, es una fuente" (Schaaf, 2000). Sus "The Pencil of
Nature" (1844-1846) fue el primer libro ilustrado con fotografías,
demostrando las posibilidades documentales y artísticas del nuevo medio. Esta
publicación revolucionaria estableció precedentes fundamentales para la literatura
fotográfica y demostró el potencial del medio como herramienta de
documentación científica y artística.
4.4 Colodión Húmedo (1851-1880): Optimización
Técnica
Frederick Scott Archer desarrolló en 1851 el proceso de colodión húmedo, que
utilizaba placas de vidrio recubiertas con colodión (nitrocelulosa disuelta en
éter y alcohol) mezclado con sales de plata. Este proceso combinaba la nitidez
del daguerrotipo con la reproductibilidad del calotipo, estableciendo el
estándar fotográfico durante tres décadas (Fstoppers, 2024; Royal Collection
Trust, 2024).
El colodión húmedo requería manipulación en estado
húmedo para permitir la penetración de soluciones químicas, obligando a los
fotógrafos a trabajar cerca de laboratorios o transportar equipos portátiles
completos. A pesar de estas limitaciones logísticas, el proceso revolucionó la
fotografía al conseguir calidad superior al calotipo con exposiciones reducidas
y costos diez veces inferiores al daguerrotipo (Intrepid Camera, 2024; Royal
Collection Trust, 2024).
La versatilidad del colodión permitió su
aplicación a distintos soportes, generando una variedad de objetos fotográficos
como ambrotipos (placas de vidrio con fondo oscuro) y ferrotipos
(placas de hierro barnizadas), que democratizaron aún más el acceso a la imagen
fotográfica mediante la reducción de costos. En 1851 apareció el ambrotipo, que
consistía en una placa de vidrio negativa y subexpuesta que, cubierta por la parte
posterior con una laca oscura, roja o negra, daba la sensación de una imagen
fotográfica de características muy similares a las del daguerrotipo.
El ferrotipo es una variante del proceso de
colodión húmedo que se extendía sobre una plancha de hierro barnizada o lacada
en negro por ambos lados. La capacidad de utilizar una imagen muy poco expuesta
significaba que un fotógrafo podía preparar, exponer, desarrollar y barnizar
una placa de ferrotipo en solo unos minutos. Esto, junto con la resistencia y el
bajo costo del medio (hierro en lugar de vidrio), significó que los ferrotipos
pronto reemplazaran a los positivos de colodión como el proceso
"instantáneo" favorito utilizado por los fotógrafos callejeros e
itinerantes.
4.5 Albúmina (1848-1905): Revolución Estética y
Técnica
El invento del cristal albuminado pronto llevó a
probar ese mismo método en el soporte final, la copia sobre papel. El papel
albuminado es básicamente el mismo procedimiento que el papel salado. La
sustitución de la imprimación de gelatina o almidón por la albúmina añade
fundamentalmente un componente visual o estético: el brillo. La albúmina
tiene un doble efecto: por un lado, consigue separar la emulsión del papel,
evitando su interferencia; por otro lado, proporciona una mayor profundidad en
las sombras, lo que consigue un mayor rango tonal (Royal Collection Trust,
2024; Getty Conservation Institute, 2024).
La introducción de la albúmina, junto con otras
mejoras en la emulsión, aunque pudiera parecer un avance menor en los procesos
fotográficos, supone de hecho un gran paso adelante. Al aplicar esta base tanto
al negativo, logrando así sustituir el papel por cristal, como al papel de la
copia final, mejorando su riqueza tonal, convierte lo que fuera un
procedimiento de poco detalle y aspecto gráfico —el calotipo— en un
procedimiento mucho más fiel, con precisión de detalle y riqueza tonal.
La imperfección del negativo del calotipo,
debido a la textura fibrosa del papel, había sugerido la utilización del vidrio
como soporte distinto para el material sensible a la luz. Con el fin de adherir
las sales de plata al vidrio se probaron varias sustancias, incluyendo la
secreción pegajosa de los caracoles, hasta que se consiguió un éxito parcial
con la clara de huevo. Estas placas de albúmina, inventadas en 1847 por
Claude-Félix Abel Niépce de Saint-Victor, primo de Niépce, produjeron
excelentes negativos con un brillo y una fineza de detalle que se aproximaban a
las características del daguerrotipo.
4.6 Placas Secas al Gelatino-Bromuro (1865-1920):
Liberación de las Limitaciones Técnicas
Desde 1855 hasta 1895 el papel albuminado fue el
soporte principal de las copias fotográficas, pero la dificultad que
representaba la manipulación en exteriores del colodión hizo que se buscara un
tipo de negativo que se pudiera exponer en seco, sin que se necesitara revelar
inmediatamente después de su exposición. Los trabajos de Richard Leach
Maddox y Charles E. Bennett conseguirían solventar estos problemas
con la invención en 1871 del gelatino-bromuro, técnica que
utilizaba la gelatina como sustrato seco, así como una emulsión basada en
bromuro de cadmio y nitrato de plata (Encyclopedia.com, 2024).
En 1874 Bennett descubre que la sensibilidad del
material aumenta considerablemente si se lo somete a un proceso de maduración,
dejándolo reposar a una temperatura constante de 32° centígrados. La
comercialización de la placa seca tuvo consecuencias inmediatas sobre el mundo
fotográfico. Las dificultades de traslado que imponía el colodión húmedo
desaparecieron casi totalmente.
A partir de 1873, las placas podían
adquirirse en el comercio listas para su uso, además se redujo el tiempo de
exposición a 25 segundos, algo muy cercano a la posterior fotografía
instantánea. Podían ser preparadas semanas antes de la exposición y ya no era
necesario revelarlas inmediatamente después de tomada la fotografía, lo que
facilitó enormemente la práctica fotográfica en el exterior (Wikipedia,
2024; Ferrete, 2024).
Las placas secas eliminaron las
limitaciones del colodión húmedo al permitir preparación anticipada,
almacenamiento prolongado y revelado diferido. Su sensibilidad superior (hasta
60 veces mayor que el colodión húmedo) redujo los tiempos de exposición a
fracciones de segundo, transformando radicalmente las posibilidades estéticas
y documentales de la fotografía. Las imágenes en blanco y negro obtenidas
por este procedimiento alcanzaron una calidad nunca obtenida hasta entonces.
4.7 Revolución Kodak (1884-1888):
Democratización Definitiva
En 1884 George Eastman fabricó la
primera película en carrete de 24 exposiciones. El negativo sobre celuloide
supuso la democratización de la fotografía. El cambio de la placa de
cristal, elemento todavía frágil y de difícil transporte y conservación, por
una nueva sustancia elástica y transparente: el celuloide de fácil transporte y
su flexibilidad para fabricarlo en forma de rollo permitiendo hasta 100
exposiciones sin manipulación interna de la cámara para sustituirlo (Papers
Owl, 2024; Telegrafi, 2024).
George Eastman en 1888 fue el primero en
aprovechar esta facilidad, lanzando al mercado cámaras cargadas con película
que, una vez expuestas, se enviaban a la casa para obtener las imágenes
positivadas junto con la cámara nuevamente cargada. Es el nacimiento de la cámara
Kodak: "Usted solo apriete el botón, que nosotros hacemos el resto".
Constaba de un cajón de madera, era ligera, compacta y el fotógrafo no tenía
que revelar las fotos. Por primera vez una cámara podía cargarse con película
de rollo y con una capacidad de 100 exposiciones.
El modelo de negocio Kodak revolucionó el acceso
a la fotografía mediante el eslogan "You press the button, we do the
rest". Los usuarios adquirían cámaras precargadas que enviaban completas
para revelado y recarga, eliminando la necesidad de conocimientos técnicos
especializados y democratizando definitivamente la práctica fotográfica.
En 1900, la introducción de la Kodak Brownie, una cámara de bajo coste
(1 dólar), junto con rollos de película de 15 centavos, democratizó
definitivamente la fotografía (Metropolitan Museum, 2024; ACS, 2024).
Lo que la Kodak nº1 supuso es que cualquier
persona podía tomar una foto, lo que en la práctica fue el primer paso para la
democratización de la fotografía. Se eliminaba la necesidad de dominar los
procedimientos químicos de revelado, haciendo de repente accesible la
fotografía a todo el público que hasta ahora solo había podido utilizarla como cliente
de fotógrafos profesionales.
5. Transformación Cultural y Democratización
Social
La evolución de los procedimientos fotográficos
durante el siglo XIX representa un ejemplo paradigmático de cómo la innovación
tecnológica puede transformar radicalmente las prácticas culturales y
sociales. Desde los experimentos iniciales con sustancias fotosensibles hasta
la industrialización masiva de la producción fotográfica, cada avance técnico
contribuyó no solo al perfeccionamiento del medio, sino también a su democratización
progresiva (LSE Digital Library, 2024; Salzburg Global Seminar, 2024).
La fotografía capturó muchas de las escenas
emblemáticas de la vida americana comenzando en 1840, como la Fiebre del
Oro, el crecimiento explosivo de San Francisco, la construcción de los
ferrocarriles transcontinentales, las plantaciones del Sur antebellum y los
sangrientos campos de batalla de la Guerra Civil. Los fotógrafos documentaron
el crecimiento de los grandes centros urbanos del Este y la exploración del
Oeste de las Montañas Rocosas, registrando los rostros de presidentes y
soldados, actores e inmigrantes (Gilderlehrman Institute, 2024; UC Berkeley News,
2024).
Pero las fotografías no simplemente capturaron
registros neutrales de estas personas, lugares y cosas; ayudaron a inscribirlas
con significado. A menudo distribuidas en álbumes o en conjuntos con títulos
descriptivos o leyendas explicativas, las fotografías podían tejer narrativas
complicadas sobre sus sujetos. Las fotografías del Oeste publicadas por los
equipos de topografía federales en las décadas de 1860 y 1870, por ejemplo,
ayudaron a argumentar a favor de la benevolencia de la expansión hacia el oeste
(Gilderlehrman Institute, 2024; Cambridge Core, 2024).
El análisis de estos desarrollos revela que la
historia de la fotografía no debe entenderse únicamente como una sucesión de
mejoras técnicas, sino como un fenómeno cultural complejo que reflejó y
moldeó las transformaciones sociales de su época. La transición desde procesos
exclusivos y costosos hacia métodos accesibles para las masas ilustra cómo la
tecnología puede actuar como un agente democratizador en la sociedad
(Owain Shaw Photography, 2020; Creative Genes, 2025).
Con el desarrollo de la fotografía
democrática, la idea originaria de William Eggleston de tratar todos los
sujetos fotográficos potenciales por igual, se anticipó el carácter postmoderno
de la fotografía contemporánea. La llegada de la fotografía en color y los
nuevos topógrafos en los años 1970 marcaron el inicio de la era postmoderna de
la fotografía artística (Careers Collective, 2024; Owain Shaw Photography,
2020).
La democratización de la fotografía a través de
avances como la película en rollo tuvo un impacto significativo en la
forma en que las personas se relacionaban con la imagen visual. Facilitó la
participación de un público más amplio en la fotografía y fomentó la
creatividad y la expresión a través de este medio visual. Esta transformación
social fundamental estableció las bases para lo que posteriormente se
convertiría en la cultura visual contemporánea.
6. Impacto Científico-Tecnológico y Patrimonial
La metodología historiográfica
introducida por Newhall, que privilegia el análisis de las imágenes y sus
autores por encima de los aspectos puramente técnicos, ha permitido una
comprensión más rica y matizada del fenómeno fotográfico. Esta aproximación
interdisciplinaria, que combina historia de la tecnología, historia del arte
e historia social, se revela como la más adecuada para abordar la
complejidad del patrimonio fotográfico del siglo XIX (Journals OpenEdition,
2024; University of Luxembourg, 2024).
La fotografía del siglo XIX no fue únicamente
"espejo de la verdad" ni un procedimiento de registro mecánico de la
realidad, sino que incorporó desde sus orígenes elementos técnicos, creativos e
ideológicos que determinaron su evolución como medio expresivo y documental.
El reconocimiento de la fotografía como bien cultural patrimonial ha
llevado al desarrollo de metodologías sofisticadas para su catalogación,
conservación y análisis científico (IFLA, 2009; Cambridge Core, 2024).
Los proyectos de digitalización del
patrimonio fotográfico han demostrado la importancia de mantener los más
altos estándares técnicos en resolución, formato de archivo, gestión del color
y profundidad de bits para garantizar la conservación a largo plazo. La
fotografía, como fenómeno ubicado en la encrucijada entre tecnología y cultura,
ocupa una posición central en todos los cambios que están ocurriendo en nuestra
sociedad (ICCD, 2024; Cultures.fr, 2024).
En el contexto contemporáneo, la democratización digital de la fotografía ha llevado este proceso de accesibilidad a un nivel sin precedentes, donde prácticamente todos somos fotógrafos y hemos adquirido la capacidad de comprender imágenes independientemente de si las producimos nosotros mismos. Esta transformación continúa el legado democratizador iniciado en el siglo XIX, confirmando que el futuro de la fotografía reside en la intersección entre el avance tecnológico, la integración de inteligencia artificial y un cambio cultural hacia la autenticidad y la narrativa ética (Salzburg Global Seminar, 2024; Careers Collective, 2024).
7. El Nexo entre la Revolución Fotográfica y las Tarjetas Postales
La revolución fotográfica del siglo XIX estableció los fundamentos científicos, tecnológicos y culturales que encontraron su expresión más democrática en la aparición de las tarjetas postales ilustradas. Esta convergencia entre innovación fotográfica y comunicación postal representó el primer fenómeno masivo de democratización de la imagen desde la invención de la fotografía en 1839.Los avances en técnicas fotomecánicas como la fototipia, desarrollada por Louis Alphonse Poitevin en 1856 y perfeccionada por empresas como permitieron la reproducción industrial de imágenes fotográficas con una calidad excepcional, haciendo posible tiradas de hasta 500 copias por matriz.
La democratización visual alcanzada a través de las tarjetas postales ilustradas materializó los principios establecidos por la revolución fotográfica del siglo XIX: reproductibilidad, accesibilidad económica y capacidad narrativa. Como señala Walter Benjamin en su análisis de la reproducción mecánica, la fotografía perdió su "aura" aurática para convertirse en un medio de masas capaz de construir conciencia social. Las postales fotográficas representaron esta transformación de manera paradigmática, convirtiendo obras de arte en pequeña escala de bajo costo que podían ser adquiridas por toda la sociedad.
La innovación de George Eastman con la cámara Kodak en 1888 y su eslogan "Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto" encontró en las tarjetas postales su complemento perfecto. La fotografía de aficionado y la industria postal se potenciaron mutuamente: mientras Eastman democratizaba la producción de imágenes, las postales democratizaban su distribución y consumo. Este doble proceso de democratización estableció las bases de la cultura visual contemporánea.
Las tarjetas postales se consolidaron como archivos de memoria visual urbana, registrando la transformación de las ciudades durante el período de mayor modernización urbana. Estos documentos gráficos capturaron no solo monumentos y paisajes, sino que construyeron narrativas visuales sobre la identidad de lugares y comunidades. La función documental de las postales fotográficas las convirtió en testimonios invaluables para la historia urbana y social, adelantándose al concepto de "imagen de la ciudad" que Kevin Lynch acuñaría en el siglo XX.
El legado interdisciplinario de esta convergencia entre fotografía y comunicación postal perdura en la era digital. La metodología historiográfica desarrollada por Newhall para comprender la fotografía como fenómeno cultural complejo resulta igualmente válida para analizar las transformaciones contemporáneas de la imagen digital y las redes sociales. Los principios de democratización, reproductibilidad y capacidad narrativa que caracterizaron las tarjetas postales fotográficas del siglo XIX se manifiestan hoy en plataformas digitales que continúan transformando nuestra relación con la imagen visual.
La preservación del patrimonio fotográfico de las tarjetas postales adquiere importancia fundamental no solo como testimonio histórico, sino como fuente de conocimiento para comprender los procesos de innovación tecnológica y transformación cultural que caracterizan nuestra época digital. Este legado demuestra que la intersección entre tecnología, arte y comunicación social constituye un campo de investigación crucial para entender tanto el pasado como el futuro de la cultura visual humana.
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